Eine Karte meiner Schülerinnen und Schüler hat mich daran erinnert, worum es in meiner Arbeit eigentlich geht.

Es gibt viele Formen der Wertschätzung.

Als selbstständiger Künstler freue ich mich über ein gutes Honorar. Es zeigt, dass meine Arbeit einen Wert hat. Ich freue mich auch, wenn nach einem Graphic Recording oder einem Workshop jemand sagt:

„Genau so haben wir uns das vorgestellt.“

Das ist schönes Feedback. Es bestätigt, dass das Ergebnis stimmt.

Vor einigen Tagen bekam ich jedoch eine Karte von einer Schulklasse, die ich zwei Jahre lang im Fach Kunst unterrichten durfte. Ich musste sie mehrmals lesen. Nicht, weil sie meine Zeichnungen lobte. Nicht, weil sie meinen Unterricht als besonders kreativ beschrieb. Sondern wegen zweier Sätze.

„Sie haben uns ermutigt, einfach loszulegen.“

„Sie haben uns beigebracht, dass Fehler Teil des Prozesses sind.“

Ich merkte, dass mich diese Worte viel tiefer berührten als jedes Lob für ein gelungenes Projekt.

Wertschätzung gilt oft dem Ergebnis.

Im Berufsleben sprechen wir häufig über Produkte, Projekte, Zahlen, Umsatz und Qualität. Natürlich ist das wichtig. Aber all das beschreibt das Ergebnis einer Arbeit.

Viel seltener sprechen wir darüber, welche Wirkung ein Mensch auf andere hat. Genau diese Wirkung bleibt oft viel länger bestehen als das eigentliche Produkt.

Das gilt nicht nur für Lehrer.

Als ich die Karte las, wurde mir klar, dass dieses Erlebnis weit über den Kunstunterricht hinausgeht.

Wenn ich ein Graphic Recording zeichne, geht es nicht nur darum, dass am Ende eine schöne Visualisierung entsteht. Es geht darum, dass Menschen ihre eigenen Gedanken plötzlich klarer sehen.

Wenn ich einen Workshop leite, möchte ich nicht nur Methoden vermitteln. Ich möchte erreichen, dass jemand danach den Mut hat, eine eigene Idee umzusetzen.

Und wenn ich Theater inszeniere, hoffe ich, dass Jugendliche erleben:

• Ich darf Fehler machen.
• Ich darf ausprobieren.
• Ich kann über mich hinauswachsen.

Kreativität beginnt mit Ermutigung.

Viele Menschen glauben, Kreativität sei ein Talent. Meine Erfahrung ist eine andere.

Die meisten Menschen sind kreativ. Sie haben nur irgendwann gelernt, Angst vor Fehlern zu haben.

Deshalb beginnt Kreativität oft nicht mit einem Stift. Sie beginnt mit einem Satz.

„Probier es einfach.“

Vielleicht ist genau das die wichtigste Aufgabe eines Lehrers, Trainers oder Kreativbegleiters. Nicht perfekte Ergebnisse zu erzeugen, sondern einen Raum zu schaffen, in dem Menschen den Mut finden, selbst kreativ zu werden.

Was ich aus dieser Erfahrung mitnehme

Diese Karte werde ich wahrscheinlich noch sehr lange aufbewahren. Nicht, weil sie meine Arbeit lobt. Sondern weil sie mich daran erinnert, warum ich sie mache.

Die größte Form der Wertschätzung ist für mich nicht das Lob für ein Produkt.

Sie beginnt in dem Moment, in dem Menschen sagen:

„Du hast etwas in mir verändert.“

Kreativität entsteht nicht durch Perfektion, sondern durch Ermutigung. Genau deshalb versuche ich in meinen Workshops, im Kunstunterricht und bei Theaterprojekten Räume zu schaffen, in denen Menschen ohne Angst vor Fehlern ausprobieren können.

Vor einiger Zeit bat mich ein Industrieunternehmen, seine Zukunft zu zeichnen. Nicht zu illustrieren. Zu zeichnen. Live. Gemeinsam. Mit den Menschen im Raum.

Der entscheidende Unterschied

Viele glauben, Graphic Recording bedeutet, Inhalte hübsch zu visualisieren. Für mich beginnt die Arbeit viel früher. Ich setze keine fertigen PowerPoint-Folien um. Ich stelle Fragen. Immer wieder. Fragen, die Bilder erzeugen statt Floskeln. Denn:

„Wir wollen innovativer werden.“

ergibt kein Bild.

Aber:

„Was sehen wir in zehn Jahren, das heute noch unmöglich erscheint?“

Schon entsteht eine gemeinsame Vorstellung.

Aus Worten werden Bilder

In diesem Workshop entstand unten links das Flugzeug von Blériot. Darüber die Enterprise aus Star Trek. Beides stand für denselben Gedanken:

Aufbruch in unbekannte Welten.

In dem Moment, als die Teilnehmer ihre eigene Strategie in dieser Bildwelt wiedererkannten, veränderte sich die Stimmung im Raum. Das vergesse ich bis heute nicht.

Eine Folie erklärt. Ein Bild erinnert.

Eine Präsentation verschwindet meist nach dem Meeting. Ein gemeinsames Bild bleibt. Es hängt an der Wand. Man geht Wochen oder Monate später daran vorbei und entdeckt neue Zusammenhänge. Genau darin liegt seine Stärke.

Gerade deshalb wird KI Zielbilder nicht ersetzen.

Künstliche Intelligenz kann beeindruckende Bilder erzeugen. Sie kann Texte zusammenfassen. Sie kann Ideen visualisieren. Aber sie steht nicht mit zwanzig Menschen in einem Raum. Sie hört keine Zwischentöne. Sie stellt nicht die Frage, die plötzlich einen völlig neuen Gedanken auslöst. Ein Zielbild entsteht nicht am Schreibtisch. Es entsteht im Gespräch.

Deshalb glaube ich:

Zielbilder werden in Zukunft wichtiger. Nicht unwichtiger.

Denn je mehr Informationen KI produziert, desto wichtiger wird ein gemeinsames Bild, das Orientierung gibt.

Wenn Sie für Ihr Unternehmen ein Zielbild entwickeln möchten, sprechen Sie mich gerne an.

Was lerne ich daraus?

Zielbilder entstehen dadurch, dass Menschen gemeinsam die richtigen Fragen stellen. Eine KI kann Bilder generieren, aber sie kann nicht im Raum stehen. Sie hört keine Zwischentöne. Sie spürt keine Unsicherheit. Und sie erkennt nicht den Moment, in dem plötzlich alle nicken, weil eine gemeinsame Vorstellung entstanden ist. Deshalb glaube ich:

Zielbilder werden wichtiger. Nicht unwichtiger.

Je mehr Informationen KI produziert, desto wichtiger wird ein gemeinsames Bild, das Orientierung gibt.

Nicht aus Prinzip. Aus Erfahrung.

Ich beobachte im Kunstunterricht immer wieder dieselbe Szene: Ein Strich. Eine kurze Pause. Dann der Griff zum Radiergummi. Noch ein Strich, wieder Zögern, wieder wird radiert.

Ich frage dann: „Warum radierst du das weg?“

Fast immer kommt dieselbe Antwort: „Weil das falsch war.“

Dann frage ich zurück: „Na und? Habe ich gesagt, dass ihr ein richtiges Bild zeichnen sollt?“

In diesem Moment verändert sich etwas. Der Blick richtet sich nicht mehr auf das Bild, sondern auf den Fehler. Es geht nicht mehr ums Zeichnen, sondern ums Vermeiden. Plötzlich existieren nur noch zwei Kategorien: richtig oder falsch, schön oder hässlich.

Dabei sind es oft gerade die vermeintlich falschen Linien, die eine Zeichnung lebendig machen. Sie zeigen, wie jemand denkt, sucht, ausprobiert und langsam seinen eigenen Weg findet.

An meiner Zeichnung „Zentaur, sich selbst abwerfend“ gefällt mir bis heute genau diese Suchbewegung. Man kann verfolgen, wie ich die Beinstellung gefunden habe. Nicht trotz der vielen Linien, sondern wegen ihnen. Wenn alles sauber ist, ist oft nichts mehr lebendig.

Was lerne ich daraus?

Vielleicht ist der Radiergummi gar kein Werkzeug. Vielleicht ist er eine Haltung.

Die Haltung, dass Fehler verschwinden müssen, bevor überhaupt etwas entstehen darf.

Mit drei Jahren hätten Kinder keinen Radiergummi gebraucht. Damals gab es weder richtig noch falsch. Da gab es nur ein begeistertes: „Schau mal!“

Vielleicht verlieren wir später gar nicht unsere Kreativität. Vielleicht lernen wir nur, sie ständig zu korrigieren.

Deshalb frage ich mich inzwischen ernsthaft: Brauchen wir im Kunstunterricht wirklich Radiergummis? Oder sollten wir manchmal erst lernen, ohne sie zu zeichnen?

Mich interessiert eure Meinung.

Als dieses Plakat fertig war, hätte ich mich eigentlich freuen müssen.

Es sah genau so aus, wie ich es mir vorgestellt hatte. Die Stimmung stimmte. Die Farben. Die Typografie. Genau der Eindruck, den ich für unseren improvisierten Krimi erzeugen wollte.

Nur eines stimmte nicht.

Ich hatte es nicht gezeichnet.

Normalerweise beginne ich bei einem Plakat mit ersten Skizzen. Ich verwerfe Ideen, beginne noch einmal von vorne und ringe mich langsam an eine Lösung heran. Diesmal lief es anders. Ich hatte eine ziemlich klare Vorstellung im Kopf. Also beschrieb ich sie einer KI.

Ein paar Sekunden später war das Plakat fertig.

Natürlich hätte ich es auch selbst zeichnen können. Nur nicht so schnell aber in demselben Stil und ähnlich perfekt. Aber ich habe mich dagegen entschieden. Und genau das beschäftigt mich bis heute.

Es fühlte sich gleichzeitig effizient und merkwürdig leer an.

Nicht, weil das Ergebnis schlecht gewesen wäre. Im Gegenteil. Sondern weil ich plötzlich merkte, dass ich einen Teil meiner bisherigen Arbeit einfach übersprungen hatte.

Ich hatte nicht mehr gezeichnet.

Ich hatte entschieden.

Das führte zu einer unbequemen Frage:

            „War das Zeichnen überhaupt jemals meine eigentliche Kernkompetenz?“

Jahrelang habe ich mich als Künstler verstanden, der mit seinem handwerklichen Können etwas erschafft. Nun saß ich vor einem Bild, das genau meinen Vorstellungen entsprach, obwohl ich keinen einzigen Strich selbst gezeichnet hatte.

Vielleicht verändert KI deshalb gerade so viele kreative Berufe. Nicht mehr derjenige, der jede Linie selbst ausführt, entscheidet darüber, wie das Bild aussieht. Entscheidend wird derjenige, der weiß, was entstehen soll und warum.

Schlechte Ideen bleiben schlecht, egal ob sie mit Bleistift oder Prompt umgesetzt werden. Gute Ideen finden heute nur sehr viel schneller eine Form.

Das ist zugleich faszinierend und beunruhigend.

Denn wenn Maschinen immer besser darin werden, Bilder zu erzeugen, stellt sich zwangsläufig eine neue Frage:

            „Worin besteht dann eigentlich noch meine kreative Leistung?“

Ich glaube inzwischen, dass ich damals die falsche Frage gestellt habe.

Nicht:

            „Wer hat das Bild gezeichnet?“

Sondern:

            „Wer hat die Idee entwickelt, die dieses Bild überhaupt möglich gemacht hat?“

Genau dort beginnt für mich heute Kreativität. Nicht beim Ausführen. Sondern beim Beobachten. Beim Fragen. Beim Denken. Beim Entwickeln einer Vorstellung, die es wert ist, sichtbar gemacht zu werden.

Was lerne ich daraus?

Dieses Plakat hat mich gezwungen, meinen eigenen Beruf neu zu betrachten. Früher dachte ich, mein größter Wert läge im Zeichnen. Heute glaube ich, dass Zeichnen ein Werkzeug ist. Ein wichtiges Werkzeug, aber eben nur eines von vielen. Entscheidend ist die Fähigkeit, gemeinsam mit anderen Gedanken zu entwickeln, Zusammenhänge sichtbar zu machen und Bilder im Kopf entstehen zu lassen.

Vielleicht wird genau das in einer Welt voller KI zur eigentlichen Kernkompetenz.

Nicht besser zu zeichnen.

Sondern besser zu denken.

Stell dir einen Seminarraum mit sechzig, manchmal hundert Menschen vor!

Jemand präsentiert Folien. Es wird diskutiert, argumentiert und ergänzt. Jeder bringt noch einen Gedanken ein. Von außen betrachtet wirkt alles wie ein ganz normales Meeting.

Dann stelle ich mein Papier auf. Ich schreibe eine Überschrift. Zeichne das erste Symbol. Verbinde zwei Gedanken mit einem Pfeil. Und plötzlich verändert sich der Raum.

Die Gespräche werden leiser. Menschen stehen auf. Sie drehen sich um und schauen nicht mehr auf den Vortragenden, sondern auf das Bild, das gerade entsteht.

Nicht, weil ich besonders schön zeichne. Sondern weil sie zum ersten Mal sehen können, wie ihre Gedanken sichtbar werden. Ein Gedanke, der eben noch nur in den Köpfen existierte, bekommt plötzlich eine Form. Und genau in diesem Moment passiert etwas Erstaunliches.

Menschen beginnen, ihre eigenen Gedanken zu überprüfen.

            „Moment … so haben wir das eigentlich gar nicht gemeint.“

Oder:

           „Jetzt sehe ich erst, dass diese beiden Punkte zusammengehören.“

Oder ganz besonders:

            „Ich hätte nie gedacht, dass man sogar ein virtuelles Produkt wie unseres als Bild darstellen kann!“

Das Bild hält das Gespräch also nicht einfach nur fest. Es verändert das Gespräch. Denn sobald ein Gedanke sichtbar wird, muss er sich bewähren. Plötzlich erkennt jeder Widersprüche, Lücken oder neue Zusammenhänge. Das ist für mich bis heute der faszinierendste Moment beim Graphic Recording. Nicht das Zeichnen. Sondern der Augenblick, in dem Denken sichtbar wird.

Deshalb glaube ich inzwischen, dass Graphic Recording viel mehr ist als eine Dokumentation. Es ist ein Werkzeug, das Menschen hilft, gemeinsam klarer zu denken. Und vielleicht liegt genau darin seine eigentliche Kraft.

Was lerne ich daraus?

Früher dachte ich, ich würde Bilder zeichnen. Heute glaube ich, dass ich etwas anderes tue. Ich helfe Menschen dabei, ihre Gedanken so sichtbar zu machen, dass sie gemeinsam weiterdenken können.

Das Bild ist dabei nicht das Ziel.

Es ist das Werkzeug.

Seit ich Kunst unterrichte, beschäftigt mich eine überraschende Erkenntnis. Zum ersten Mal seit vielen Jahren geht es bei meiner Arbeit nicht mehr um mich. Und das empfinde ich als unglaublich befreiend.

Als Kunststudent war das anders. Damals drehte sich fast alles um die eigene Position. Um den eigenen Stil. Die eigene Handschrift. Um die Frage, wie man unverwechselbar wird.

Ich fuhr nachts Taxi und malte tagsüber Taxibilder. Daraus entstand mein Markenzeichen. Trotzdem hörten die Fragen nie auf.

            „Was unterscheidet meine Arbeiten von denen anderer?“

            „Wie entwickle ich meinen Stil weiter?“

            „Wie finde ich Galeristen, ohne mich anzubiedern?“

            „Reicht das überhaupt?“

            „Bin ich gut genug?“

Im Kunstunterricht verschiebt sich dieser Blick plötzlich vollständig. Nicht mehr:

            „Was kann ich?“

Sondern:

            „Wie kann ich einem jungen Menschen helfen, seine eigene Kreativität zu entdecken?“

Plötzlich geht es um ihre Neugier. Ihre Fragen. Ihre Unsicherheit. Ihre ersten Ideen. Nicht darum, ob ich originell genug bin. Sondern darum, ob ich einen Raum schaffen kann, in dem andere den Mut finden, etwas Eigenes auszuprobieren. Dieser Perspektivwechsel hat mich mehr entlastet, als ich erwartet hätte.

Vielleicht, weil ich dabei gemerkt habe, dass mich genau das noch mehr interessiert als das eigene Werk. Als Graphic Recorder, Illustrator oder Moderator stelle ich meine Kreativität ebenfalls in den Dienst anderer. Ich helfe Menschen, Gedanken zu ordnen, Zusammenhänge sichtbar zu machen und Ideen weiterzuentwickeln.

Nur eines fühlt sich völlig anders an.

Im Markt muss ich diese Arbeit jeden Tag neu erklären. Mich positionieren. Sichtbar werden. Kunden überzeugen. Im Unterricht fällt das alles weg.

Dort zählt nur die Frage:

            „Was brauchen die Schülerinnen und Schüler, damit sie heute etwas entdecken können?“

Vielleicht empfinde ich genau deshalb den Unterricht oft als erstaunlich erholsam. Nicht, weil er einfacher wäre. Sondern weil mein eigenes Ego für ein paar Stunden keine Hauptrolle mehr spielt. Je länger ich unterrichte, desto mehr frage ich mich, ob wir Kreativität manchmal falsch verstehen.

Vielleicht besteht sie gar nicht zuerst darin, etwas Besonderes zu schaffen.

Vielleicht beginnt sie dort, wo wir anderen helfen, ihre eigenen Ideen ernst zu nehmen.

Mich lässt dieser Gedanke nicht mehr los. Wie viel Energie würden wir gewinnen, wenn wir weniger Zeit darauf verwenden müssten, uns ständig selbst zu behaupten? Und mehr Zeit hätten, gemeinsam etwas entstehen zu lassen?

Was lerne ich daraus?

Früher dachte ich, gute Kunst müsse vor allem etwas über den Künstler erzählen. Heute glaube ich, dass Kreativität ihre größte Kraft oft dort entfaltet, wo sie anderen hilft, ihre eigenen Gedanken zu entwickeln. Vielleicht ist genau das die wichtigste Aufgabe eines Kunsterziehers. Nicht Menschen zu zeigen, wie sie zeichnen sollen.

Sondern ihnen das Vertrauen zu geben, dass ihre eigenen Ideen es wert sind, sichtbar zu werden.

Diese Frage stellte mir neulich ein Schüler im Kunstunterricht. Er meinte sie völlig ernst.

Nicht aus Faulheit. Nicht aus Ironie.

Sondern weil er wissen wollte, wie er möglichst sicher ans Ziel kommt. Während ich darüber nachdachte, wurde mir klar: Eigentlich fragte er gar nicht nach Kunst.

Er will wissen:

            „Woran erkenne ich, dass es für eine Eins reicht?“

Je länger ich darüber nachdachte, desto öfter hörte ich dieselbe Frage. Nicht im Klassenzimmer. Sondern überall. Im Unternehmen.

            „Was will der Kunde hören?“

            „Was erwartet die Geschäftsführung?“

            „Was muss ich liefern, damit nieman etwas daran auszusetzen hat?“

Der Mechanismus ist derselbe. Plötzlich geht es nicht mehr darum, etwas Eigenes zu entwickeln. Sondern darum, möglichst wenig falsch zu machen. Der Schüler richtet seine Idee auf die Bewertung aus. Der Mitarbeiter auf das erwartete Ergebnis. Und irgendwann geschieht etwas Merkwürdiges:

Alle wünschen sich Innovation. Aber niemand möchte das Risiko tragen, das Innovation mit sich bringt. Dabei entsteht Kreativität selten dort, wo Menschen nur Erwartungen erfüllen.

Sie braucht Umwege. Irrtümer. Überraschungen. Sie ist chaotisch. Unkontrollierbar. Geheimnisvoll.

Vielleicht ist der Kunstunterricht deshalb einer der letzten Orte, an denen wir genau das noch üben könnten. Nicht das perfekte Ergebnis. Sondern den Mut, etwas auszuprobieren, dessen Ausgang noch niemand kennt.

Natürlich brauchen Schulen und Unternehmen Regeln, Qualität und Verlässlichkeit. Das Problem beginnt erst dann, wenn diese Werkzeuge wichtiger werden als Neugier. Wenn aus Orientierung Anpassung wird. Wenn Sicherheit wichtiger ist als Entdeckung. Je länger ich unterrichte, desto häufiger frage ich mich:

Wollen wir wirklich eigenständige Menschen?

Oder wünschen wir uns vor allem Menschen, die Erwartungen möglichst gut erfüllen? Vielleicht entscheidet sich genau dort, ob Kreativität entsteht. Oder nur gute Anpassung.

Was lerne ich daraus?

Ich glaube inzwischen, dass Kreativität nicht dort beginnt, wo Menschen alles richtig machen. Sondern dort, wo sie den Mut haben, etwas auszuprobieren, das auch scheitern könnte.

Vielleicht sollten wir deshalb im Kunstunterricht weniger fragen:

            „Ist das gut genug?“

Und öfter:

            „Was hast du ausprobiert, das du dich vorher nicht getraut hättest?“

Denn genau dort beginnt für mich Lernen. Und vielleicht beginnt dort auch Innovation.

Seit Februar 2025 unterrichte ich an zwei Tagen pro Woche Kunst an einem Gymnasium. Das ist meine erste Festanstellung und ich bin 60.

Seit Jahren höre ich auf Workshops und Konferenzen denselben Satz:

            „Ich kann so etwas nicht. Ich war schon in der Schule schlecht im Zeichnen.“

Seit ich unterrichte, frage ich mich immer öfter:

            Woher kommt dieser Satz eigentlich?

Denn keines der Kinder in der 5. Klasse kommt mit der Überzeugung in den Kunstunterricht, nicht zeichnen zu können. Sie zeichnen einfach. Sie mischen Farben. Sie bauen. Sie experimentieren. Wenn aus Gelb und Blau erst einmal eine braune Soße wird, lachen sie kurz und probieren weiter.

Für sie ist das kein Fehler. Sondern ein Lernschritt. Im Laufe der Monate habe ich etwas gelernt:

            „Falsch“ ist im Kunstunterricht ein erstaunlich nutzloses Wort.

Natürlich kann ich zeigen, wie Perspektive funktioniert. Wie man Farben mischt oder eine Figur konstruiert. Aber Kunst entsteht nicht dadurch, dass jemand alles richtig macht. Sondern dadurch, dass jemand den Mut hat, etwas auszuprobieren.

Mit den Jahren scheint diese Neugier zu verschwinden. Bei den älteren Schülerinnen und Schülern verändert sich etwas. Viele fragen nicht mehr:

            „Was passiert, wenn ich das so mache?“

Sondern:

            „Wie macht man das richtig?“

Oder:

            „Reicht das für eine gute Note?“

Plötzlich geht es nicht mehr um Neugier. Sondern um Sicherheit. Nicht mehr um Entdecken. Sondern darum, möglichst wenig falsch zu machen. Dabei wünsche ich mir etwas ganz anderes.

Dass diese Kinder später in Meetings sitzen und sich nicht kleinmachen. Dass sie ihre Ideen aussprechen. Dass sie ausprobieren. Dass sie den Mut haben, auch einmal daneben zu liegen. Denn genau daraus entstehen oft die besten Gedanken. Die schönste Rückmeldung bekomme ich deshalb nicht, wenn ein Bild besonders gelungen ist. Sondern wenn ein Schüler plötzlich sagt:

            „Ach so. Das sieht ja gar nicht so schlecht aus!“

Was lerne ich daraus?

Ich glaube inzwischen nicht mehr, dass Menschen ihre Kreativität verlieren. Ich glaube, sie verlieren oft nur den Mut, sie zu benutzen. Vielleicht beginnt guter Kunstunterricht deshalb gar nicht beim Zeichnen. Sondern bei einem Gefühl:

            „Hier darf ich ausprobieren, ohne Angst davor zu haben, falsch zu liegen.“

Vielleicht brauchen wir genau solche Räume nicht nur in der Schule. Sondern überall dort, wo neue Ideen entstehen sollen.

Reichweite: Wohnzimmer bis Küche. Apps: Fantasie. Geduld. Gespräche mit niemandem. Datenschutz: absolut. Akku: unendlich. Es war aus Plastik, hatte Räder und wenn ich es hinter mir herzog, klingelte nichts.

            Trotzdem habe ich stundenlang telefoniert.

Mit mir selbst. Mit Neil Armstrong auf dem Mond. Mit Dinosauriern. Mit der Zukunft.

Heute tragen schon Fünftklässler Smartphones in der Hosentasche. Mit Kameras, die besser sind als die ersten Digitalkameras. Mit KI-Filtern und mit Zugang zum gesamten Wissen der Menschheit. Und im Unterricht legen wir sie auf den Tisch. Display nach unten. Stumm.

Ich finde das richtig. Ein Smartphone kann Aufmerksamkeit schneller verschwinden lassen als fast jedes andere Gerät. Aber je länger ich Kunst unterrichte, desto öfter frage ich mich:

            „Reden wir eigentlich genug darüber, wofür dieses Werkzeug gedacht ist?“

Ein Smartphone kann fotografieren, filmen, zeichnen, Musik komponieren., Geschichten erzählen. Es kann Details entdecken, die man sonst übersieht. Original und Bearbeitung vergleichen. Perspektiven sichtbar machen. Über Bilder streiten. Kurz:

            Es kann Kreativität unterstützen.  

Nicht ersetzen. Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Aufgabe des Kunstunterrichts. Nicht zu entscheiden, ob Handys erlaubt oder verboten sind. Sondern gemeinsam herauszufinden, wann sie uns beim Denken helfen und wann sie uns vom Denken abhalten. Mein Spielzeugtelefon hatte keine Kamera, kein Internet, keine Likes, keine Benachrichtigungen. Aber es hatte etwas, das ich heute manchmal vermisse:

Zeit. Zeit zum Spielen. Zeit zum Nachdenken. Zeit, aus einer leeren Plastikschachtel ein Raumschiff werden zu lassen. Vielleicht brauchen Kinder deshalb gar nicht zuerst strengere Handyregeln. Vielleicht brauchen sie Erwachsene, die ihnen zeigen, dass jedes Werkzeug seinen richtigen Moment hat.

            Ein Bleistift. Ein Pinsel. Oder eben ein Smartphone.

Was lerne ich daraus?

Ich glaube nicht, dass Smartphones Kreativität zerstören. Aber ich glaube, sie machen eine gute Frage wichtiger denn je:

            „Benutze ich das Werkzeug?“

Oder benutzt das Werkzeug mich? Denn Kreativität beginnt für mich nicht mit der Technik. Sondern mit der Aufmerksamkeit.

Vor einiger Zeit fragte mich ein Teilnehmer nach einem Workshop:

            „Warum zeichnest du alles live? Du könntest die Folien doch vorher fertig vorbereiten.“

Die Frage ist berechtigt. Und die Antwort lautet:

            „Das meiste bereite ich tatsächlich vor.“

Ich entwickle den Ablauf. Ich zeichne Überschriften. Ich entwerfe Templates. Ich überlege mir, wie zehn Gruppen gleichzeitig arbeiten können, ohne sich gegenseitig im Weg zu stehen.

Ein guter Workshop entsteht nicht aus Improvisation allein. Aber genau dort hört für mich die Vorbereitung auf. Denn irgendwann stellt jemand eine Frage, mit der ich nicht gerechnet habe. Jemand formuliert einen Gedanken, der plötzlich den ganzen Workshop verändert.

Oder zwei Teilnehmer widersprechen sich und gemeinsam entsteht eine Idee, die vorher niemand auf dem Schirm hatte. Dann nehme ich den Stift wieder in die Hand. Nicht, weil ich zeichnen möchte. Sondern weil dieser Gedanke jetzt sichtbar werden soll. Und genau darin liegt für mich der eigentliche Unterschied zu PowerPoint.

Natürlich könnte ich eine neue Folie öffnen. Ein Textfeld einfügen. Eine Grafik verschieben. Aber während ich durch Menüs klicke, passiert etwas Entscheidendes:

Die Aufmerksamkeit verschiebt sich. Nicht mehr zu den Menschen. Sondern zum Computer.

Beim Flipchart ist das anders. Jeder sieht denselben Strich entstehen. Jeder verfolgt denselben Gedanken. Und während ich zeichne, denke ich selbst weiter.

Oft verändert sich die Idee noch, während das Bild entsteht. Ein Pfeil kommt dazu. Ein Symbol verschwindet. Ein Teilnehmer ergänzt etwas. Das Bild wächst mit dem Gespräch. Ein Flipchart zeigt deshalb nicht nur Ergebnisse.

            Ein Flipchart zeigt, wie Denken entsteht.

Genau deshalb liebe ich diese Art zu arbeiten seit so vielen Jahren. Nicht weil Flipcharts schöner wären als PowerPoint. Sondern weil sie mich zwingen, bei den Menschen zu bleiben.

Was lerne ich daraus?

Viele glauben, man müsse besonders gut zeichnen können, um ein Flipchart zu benutzen. Das glaube ich überhaupt nicht.

            Ein paar einfache Symbole. Ein paar saubere Linien. Ein paar Tricks für Schrift, Figuren und  Farben.

Mehr braucht es oft gar nicht. Der eigentliche Mut besteht nicht darin, perfekt zu zeichnen. Sondern darin, den Stift überhaupt in die Hand zu nehmen. Denn in dem Moment, in dem Menschen beginnen, ihre Gedanken sichtbar zu machen, verändert sich etwas. Sie präsentieren nicht mehr nur Ergebnisse. Sie laden andere ein, mitzudenken.

Und genau deshalb heißt mein Onlinekurs seit vielen Jahren „Flipchartheld in 7 Tagen“.

Nicht weil aus jedem Teilnehmer ein Künstler werden soll.

Sondern weil ich Menschen zeigen möchte, wie schnell sie genügend Sicherheit gewinnen können, um ihre Ideen sichtbar zu machen.

Denn ein Flipchartheld zeichnet keine perfekten Bilder.

Er ist nicht der beste Zeichner – aber er hat den Mut, vor den Augen anderer zu denken.

Falls du genau dieses Selbstvertrauen entwickeln möchtest, findest du meinen Onlinekurs „Flipchartheld in 7 Tagen“ hier: https://humorinstitut.smile2.de/flipchartheld-in-einer-woche